Las letras fueron su pasión y bastión, pero ello no fue impedimento para que su gusto por el cine pudiera desarrollarse desde la crítica y la creación. Muchos relatos de Jorge Luis Borges tomaron forma de fotogramas y se convirtieron en películas, e incluso en algunas él mismo intervino en la elaboración del guión. Este lado del perfil del escritor argentino ha dado pie a libros como Borges va al cine (1) y Borges y el cine (2).
En los años en que su nombre ya estaba consolidado en la cultura universal, el sétimo arte se mantuvo siempre a su alrededor. Como se evidencia en la siguiente afirmación de Alejandro Vaccaro: "(Alrededor de 1975) el cine seguía gestando producciones basadas en relatos o guiones de Borges. Héctor Olivera filmó El muerto con rol protagónico del español Francisco Rabal, y Ricardo Luna hizo lo propio con Los orilleros sobre un guión de Borges y Bioy Casares (...) Poco antes Hugo Santiago había filmado Los otros, también con guión de la dupla de escritores, y se anunciaba la filmación de La intrusa con dirección de Carlos Hugo Christernsen" (3). Sobre La Intrusa, y fiel a su espíritu creador de polémica, el escritor argentino declaró que era "una infamia. Han transformado esa historia (del relato original) en una relación homosexual; gauchos que se desnudan para vistear, ¿se dan cuenta?" (4).
No dije una palabra desde que salí de casa, había empezado a seguir mi decisión, a vivir con coherencia, que no con razón. En coherencia con la sin razón, el colmo de la sin razón, esas fueron palabras mágicas para mi. Lo que de su boca salía como un insulto llegaba a mis oídos como una alabanza, una loa y elogio a los buenos tiempos de la irracionalidad, al desembarazo entre la rutina y el cumplimiento de tareas de taza de café y nimias conversaciones sobre lo pendiente. Bonito asunto lo pendiente, pues siempre hay algo en esa condición, por lo que nunca deja de existir, por más que se labore en contra de él. El símbolo perfecto que encierra la encrucijada burlesca de la inutilidad del trabajo. (FRAGMENTO 2)
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A propósito, este fragmento escrito recientemente me hizo recordar un fotograma de la secuencia final de Otto e mezzo (del fantástico Fellini) en el que todos los personajes rondan en un fin de fiesta, siendo esto lo único que basta para el final que deseaba el director, mientras que la gran parafernalia montada detrás no hace más que ser una pérdida de tiempo, espacio y de trabajo, la inutilidad de la magnificencia reducida por la sencillez de la vida.
(Segunda parte de un artículo sobre el expresionismo cinematográfico alemán) PRIMERA PARTE AQUÍ
Cine silente, gritos silentes
No en vano, gran parte de las películas de este movimiento de inicios del siglo XX abarcó temas sobrenaturales, oscuros, ubicándose lejos de la luz de la razón; condensando, en cuanto elemento podían, el sentimiento de angustia que por dentro consumía a sus autores. La angustia, esa es la clave del expresionismo cinematográfico alemán, y los cineastas de esta etapa, entre los que destacan Fritz Lang y Friedrich Murnau, la supieron tomar de otras artes y, también, de su ambiente inmediato. Parece que las condiciones orquestadas confluyeron para reformar en un nuevo concepto la creación artística.
El expresionista recoge temas tenebrosos porque su espíritu es tenebroso. Sabe que la alegría del mundo externo es pura farsa, que no le sirve de nada para construir un arte libre, justamente, de lo moderno, de la lógica y del perfecto encajamiento de los sentidos con la realidad. Es necesario distorsionar, exagerar, transformar, para que se puedan mostrar verdaderamente los sentimientos, tal como éstos hacen sucumbir a una persona en su interior. Así deben ser trasladados, expresados.
En cuanto a los medios para expresarlos, tal como retumban dentro de un ser, estos fueron muchos en el naciente arte cinematográfico: desde la interpretación de los personajes y los escenarios que no sólo eran un fondo, sino parte de la historia y de la opresión que se cernía sobre todos, hasta la iluminación, que quebraba los planos y fijaba la atención sobre un personaje en especial, dejando en tinieblas todo lo demás que, por momentos, era el propio infierno.
El aprovechamiento de la sombra, y prácticamente el haberle dotado de vida es una libertad que se toman los expresionistas para acomodar su sentido del arte y darle fuerza. De las sombras nace la fantasía que vive en cada mente, en cada corazón. De las sombras se despiertan los sueños, y con ellos, las pesadillas que, como campanas de catedral se esparcen por el espacio cubriéndolo todo.
Las aves negras, dragones casi, sobrevolando el cielo en Fausto, son una muestra de la amenaza que se aproxima. Sutil, sin embargo, siempre un poco lejos, pero sin duda de que se acerca cada vez más, y que destruirá poblaciones enteras, como la peste llevada por el conde Orlock. La amenaza es lo más terrible del peligro. Es el terror de saberse atormentado.
(Primera parte de un artículo sobre el expresionismo cinematográfico alemán)
El expresionismo es una tormenta: desde los nubarrones oscuros que anuncian la proximidad de la tempestad, hasta la llegada de la lluvia, los vientos y los truenos, que azotan incesantemente; una amenaza que quiere arrasar con todo y quiere ser total, que da luz con sus rayos, pero sólo para encontrar lugares en los que las sombras jamás se pierden, en donde pueden cobijarse los seres creados y rescatados del imaginario de un pueblo con sentimientos casi tan fantasmagóricos como los representados en sus películas; un espíritu artístico que trata de distorsionar la realidad objetiva para encontrar un verdadero sentido, que nazca del interior.
Movimiento que halló en Alemania el lugar perfecto para desarrollarse, tanto como se lo permitió el momento histórico por el que pasaba este pueblo: un punto que era, prácticamente, la explosión aguantada que no había reventado en años, décadas, de opresión, respecto a un entorno siempre oscuro, intranquilo y confuso. Tanto estética, como históricamente, era momento de que el expresionismo tuviera su auge.
La derrota en la I Guerra Mundial dejó en Alemania una humillación que el Tratado de Versalles se encargó de remarcar: pagos de reparaciones, pérdida de territorio, reducción del ejército -golpe fuerte para una nación que se enorgullecía de su poderío militar-; lo que pasó después dentro de la sociedad alemana: la inestabilidad política, social y económica, los intentos de golpe de estado a la República de Weimar y, de entre este caos, la ascensión de Hitler. Mientras que por el otro lado, las nuevas búsquedas del arte, la ruptura entre ésta y la naturaleza tal como la percibían los sentidos, el reinado de las vanguardias y el influjo de Wilhelm Worringer para el surgimiento del expresionismo como contraparte del impresionismo. Éstas fueron las razones para que se buscara una verdad en un arte distinto, disconforme, amorfo y con una vitalidad que emanaba del grito de la muerte.
David Keith Lynch es un gran director de cine estadounidense. El legado que ha hecho de él un artista de renombre abarca, sin embargo, no sólo la cinematografía sino también la pintura, la música, la fotografía e, incluso y aunque parezca algo raro, el diseño mobiliario.
The Art Spirit, libro del artista Robert Henri fue una de sus influencias tempranas, al ser uno de los impulsores y definidores del rumbo de su arte. Existen algunas características que de Henri que se pueden trasladar, con las diferencias del caso, a Lynch: el primero se mudó de una zona rural al ámbito urbano de la ciudad, el cual empleó como materia prima para un realismo crudo, siendo además una especie de transición entre la vida rural del Estados Unidos del S.XIX y la urbana del S. XX; mientras que Lynch también vivió el cambio del campo a la ciudad para desarrollar sus perspectivas artísticas siendo en él un recurso recurrente el paso de la nostalgia y la época dorada de los años 50 a la posmodernidad y opacidad de las dos últimas décadas del siglo.
Lynch es un reconocido devoto de otros grandes, como Jacques Tati, Ingmar Bergman o Werner Herzog, y, quizá gracias a sus influencias, ha logrado ser uno de los pocos directores contemporáneos con un estilo personal reconocible.
Con bastante regularidad, Lynch ha manifestado también su admiración por Stanley Kubrick y Federico Fellini, Franz Kafka y Francis Bacon (todos, como se pude observar, con temáticas y estilos únicos, sobre el desdén humano, las oscuridades que lo cubren y la grandiosa mano para expresarlos intensamente).
El cineasta ha afirmado, con fervor entendible, que muchas de las obras de Kubrick se encuentran en su canon personal, y que las de Kafka y Bacon los dominan por completo. Las obras de Oskar Kokoschka, pintor expresionista austriaco y Luis Buñuel, han sido otras de sus grandes influencias.
Respecto a sus referencias inmediatas del cine estadounidense, se puede encontrar El mago de Oz, sobre la cual no tiene un gusto típico, sino -como se puede imaginar al hacer un recorrido de su obra y por tanto de su deformación de la realidad- algo retorcido. Por ello, al parodiarla en Wild at Heart (1990) la polémica fue más que esperada.
En la actualidad, algunos de los proyectos de cine y animación realizados por Lynch sólo se pueden observar en su página web de pago: DavidLynch.com.
Músico y compositor. Innovador del sonido cirílico, melodías propias de lo más recóndito de la Europa del este. Ese es Goran Bregovic, y su particular universo musical, que mezcla desde la música más tradicional serbia, con lo más contemporáneo.
Una extrordinaria canción, con sonidos cautivantes, The belly button of the world.
Goran Bregovic nació en Sarajevo, actual territorio de Bosnia – Herzegovina, el 22 de marzo de 1950. De padre croata y madre serbia, tuvo que criarse en Yugoslavia, y ser testigo de los conflictos bélicos que sacudió la región balcánica.
De la mano de Emir Kusturica -cineasta serbio- realizó películas como El sueño de Arizona, La reina Margot, Gato negro, gato blanco, El tiempo de los gitanos, y la espectacular obra Underground, donde la música de Bregovic, juega como elemento perceptivo interiorizándonos a los territorios de Yugoslavia.
Ya ya ringe ringe raja, hip hop, reggae, y el típico sello Bregovic.
Desde 1974 Goran, viene componiendo una serie de 28 discos, incluyendo bandas sonoras, y presentaciones en Europa acompañado de orquestas tradicionales como La Orquesta de Bodas y Funerales de Yugoslavia. Su últimaproducción, Alkohol, en el 2008.
En el siguiente video, Goran fusiona instrumentos propios de la música popular balcánica, con un sonido reggae. Soundtrack de la película El tiempo de los gitanos.
La música de Goran Bregovic es tan intensa y explosiva como la situación que se ha vivido siempre en los Balcanes. Sus composiciones están inspiradas en el más salvaje y vivo folklore del este europeo.
Ayer, Sábado 7 de marzo, se cumplió el décimo año desde que un genio dejó su existencia física. Stanley Kubrick ahora viaja a través de una odisea en el espacio. ¿Porqué es conocido? ¿Su obra? Realmente no es necesario repetirlo.
"Haz visto el corazon humano, es como un puño ensangrentandose...." -Larry (Clive Owen)
Este sabado a las 8pm en vh1 van a dar una pelicula que ya habia visto hace un mes llamada "Closer". En algunas canciones de Nirvana, el amor implica confusión e indecisión y a su vez esta ligado a problemas emocionales como sentimientos de culpa o conciencias dolorosas. De esto exactamente trata Closer, es la expresión al maximo sobre la confusión humana y la necesidad abrupta de saber y sentir verdaderamente el amor. Como lei en otros comentarios sobre esta pelicula, los dialogos estan muy bien planteado....y es verdad. Sacada de una obra de teatro del mismo nombre, cada personaje a sido creado cuidadosamente de una manera honesta (sin llegar a lo subjetivo) y sobre todo se ha estudiado profundamente el tema. Sus actores no solo han tenido que aprenderse sus dialogos sino tambien hablar y discutir junto con el director (mike nichols) sobre el tema de la pelicula, horas de horas.
En realidad, no se podria decir que Closer es otra pelicula más que trata de explicar el tema amoral, no pasa por ese lado. Esta pelicula es el idilio del comportamiento de las personas segun como viven el amor en la actualidad. Closer es el diagnostico de un psicologo entregado a su paciente, en este caso al espectador. Aqui el amor no vale nada pues es efímero e indeciso, ninguno sabe lo que quiere y a quien quiere.
Sus 4 protagonistas se cruzan a través de la coincidencia, en donde Alice (Natalie Portman) una chica de personalidad muy ambigua (a ratos conciente, en otras inestable) llega a Londres sin suerte alguna y conoce a un desconocido Dan (Jude Law) que de los 4 es el personaje mas egocéntrico e inmaduro pero a la vez el mas sensible al hacerle probar de su propio veneno.
La pelicula comienza cuando Alice sufre un accidente al ser arrollada por un automovil y Dan va aayudarla, luego en el trascurso de la pelicula Dan conoce a Anna (Julia Robert) una fotógrafa que ha sufrido a causa de su divorcio que la hace suceptible a cualquier oportunidad que llegue y que no sea conciente de lo que realmente busca o quiere en un hombre, es incapaz de ser feliz, y luego aparece Larry (Clive Owen) que por un engaño cibernetico de Dan conoce a Anna, Larry a diferencia de Dan es mas explosivo pero a su vez muy sincero, es al quien no le importa herir a todo mundo con sus verdades punzocortantes antes de salir el lastimado.
La historia de la pelicula, bueno, en ella se encuentra enredos y mas enredos entre sus personajes. Un drama muy sórdido y duro de tragar hace que sea interesante para el espectador, aunque la temática tiene un concepto muy existencialista que hace al espectador tome su tiempo entenderla, pues son casos que mas pasa por el lado humano que el cotidiano.
Otra cosa interesante de la pelicula es como trasmite su manera de amar de sus personajes, ahi es donde digo que Closer no quiere explicar el amor de parejas (ni trata de intentarlo), solo la expresan sin "por que" alguno. Los sentimientos se hace y se deshace como costuras de Penelope y se vuelve un circulo vicioso existencial en donde los ingredientes como la mentira, la inmadurez, el hedonismo, la desesperación, la depresión. Tampoco se puede catalgar a sus personajes ni de heroes ni villanos, mucho menos antiheroes. Los 4 personajes solo representan seres humanos que son y que somos, seres imperfectos que cometen (ó necesitan cometer) errores y sentirse cada dia mas humanos y por ello ceden toda clases de instintos sin importarles si hacen ó no lo correcto.
De sus dialogos, como dije al principio, muy bien definidos. Se puede decir que su guion y libretos es de "cine inteligente", termina la pelicula y uno puede examinar el comportamiento de cada personaje y asimilarlo con uno mismo ó simplemente asimilarlo (de ahi rescato la gran actuacción de Natalie Portman). Por eso bandas como "Panic! at the disco" y "silverstein" rescata algunas frases de los dialogos de esta pelicula para sus canciones, respectivamente.
A veces es dificil saber por que predomina mas nuestro lado humano que la razón, la busqueda desesperada de no sentirse solo, creo que las personas deberian comprender mas el amor y los riesgos que implica, que no son pocos.
Aqui les dejo un fragmento de la pelicula, para muchos la mejor escena de esta, yo prefiero mas la escena donde Dan sale discutiendo con Larry en su consultorio, pero no la encontré. Disfrutenla por que en verdad es una gran pelicula.
El suicida, o Wilbur wants to kill him self, aborda, desde el intento de suicidio, la soledad. Una soledad que es acompañada. Son varios los seres que viven en soledad y ninguno logra ser complemento del otro. Están dentro de una sociedad que los trata como pacientes, clínicamente, y todos están envueltos, o cegados, nadie sale de su túnel. Ni la muerte los libera, es sólo una posibilidad, no una certeza.
La historia trata sobre Wilbur, un suicida frustrado, que tras luego de varios intentos -fallidos casi de manera infantil, adrede y por temor- de matarse, entrando y saliendo de un grupo de ayuda psicológica en el hospital, llega a vivir con su hermano quien mantiene la librería de su padre fallecido hace poco. Harbour, trata de salvar desesperadamente a su hermano, y lo logra pero al final él muere. Antes de ello llega a su vida Alice, -con una niñas de unos 12 años- con quien se casa. Alice es una unión entre los dos hermanos, los dos la aman, y ella ama a los dos, pero ninguno está dispuesto a dejar a su hermano por ella, ni ella de dejar a ninguno por el otro.
Hace unos días en "El placer de los ojos" entrevistaron a Francisco Lombardi para hablar sobre su última película "Un cuerpo desnudo". Estuvo muy interesante la conversación sobre el tema que abarca, a pesar de que no soy seguidor de sus peliculas (a excepcion de Tinta roja y Mariposa negra) lo considero un gran director. Pero lo que me llamó la atención en esta ocasión fue el comentario sobre: ¿Cóomo debería hacerse ahora cine en el Perú?, él aclaró que ya hay una gran separación del cine actual (con el uso de la tecnologia,los efectos,lo sensacionalista) con el verdadero cine -y digo verdadero, pues en una pelicula tiene que sobresalir más el ingenio de realización, la tematica (objetiva o psicologica)planteada por el director, que tenga y lleve un mensaje y si es posible que nos lleve a la instrospectiva como en peliculas de Hitchcock o Scorsese-`pues hay gran diferencia entre "Trasformers" y "Toro salvaje", hay un divorcio inmenso, como dijo Lombardi del cine de hoy con el de ayer...y es verdad
Tratar de explicar, ya hablando del cine del Peru, la poca evolución de nuestro cine en lo que es la realización e ingenio para las películas es distinta, pues por ejemplo no veo diferencia entre "La cuidad y los perros" de Lombardi con "Dioses" de Josue Mendez (claro, excepto la temática y el tiempo). Pero esta falta de evolución, por decirlo asi, no a perjudicado mucho a nuestro cine ya que sigue teniendo la temtica y el mensaje que debe disponer una perlicula, más bien la evolución abrupta (ya que debió ser paralela con nuestro cine) que hay es la de los espectadores. Cada dia los gustos de los espectadores son mas exigentes y sensacionalistas, tienen ese hambre atroz a ese bocado llamado "Hollywood" que les brinda cuadros visualmente inimaginables y que hace basntante dificil a los cineastas peruanos satisfacer los gustos de nuestros propios espectadores. Además las factibilidades hacen que muchos de nuestos cineastas postergen sus proyectos o lo hagan con un "bajo presupuesto". Se tiene también que para muchos espectadores la frase "cine peruano" es sinónimo de críticas o una alegoría de "criollismo", por ello es y va a ser complicado quitarle a la gente esa etiqueta de que nuestro cine es un fracaso, pues si se pone como un ejemplo es como estar en un salón lleno de niños y hablarles sobre "la teoria de la relatividad" bajo un concepto que sólo pueden entender aquellos que saben mas no todos. En este caso serian los espectadores tales niños. Otra cosa es que en estos últimos años, las peliculas se basan es temas muy subjetivos, bajo la acepción de personales, de ideas creadas que sólo podria entender el propio cineasta, y creo que por eso la gente no mira ni tiene una opinion favorable de nuestro cine, y es pues porque no las entienden, tan sólo unos cuantos (bendecido ellos), cosa que me lleva a una pregunta: ¿es que acaso los cineastas no se dan cuenta de la escasa imaginación de nuestros espectadores para entender las peliculas?... Creo que por eso dijo Lombardi que esta película ("Un cuerpo desnudo") es la más riesgosa que ha hecho y no sólo por la taquilla, sino porque la pelicula parte de la idea de El y esto hace que muy pocos espectadores entendian su filme (o por qué no, varias peliculas peruanas); pero personalmente, lo subjetivo en las peliculas no es tan malo que digamos. Pero ya para darle solucion a esta realidad, a este divorcio absoluto que tiene nuestro cine, es como está haciendo Lombardi con esta pelicula, y es que la proyecta en circuitos más pequeños e independientes en donde la gente a la que le gusta nuestro cine o extraña el cine como era antes pueda ir a verla. No es mala idea pero no sé si este sea el único camino para nuestro cine, creo que también falta difusion televisiva para nuestras películas (tanto sean largometrajes como cortometrajes) y claro un poco mas de valentia de los cineastas para producir algo nuevo para que llame la atencion de los espectadores, y también más programas sobre cine como "El placer de los ojos". Creo que hay muchas maneras y caminos para el cine peruano, claro estas sólo son opiniones, no soy un cineasta, puede que me corrijan pero mientras, todo ello seria una gran oportunidad para que el cine peruano siga evolucionando.
Mitchell Lanazca
p.d: Pasando a otro tema, hay 2 canciones más de la banda "Hipnos" en youtube (Liberame y Deseo)
El domingo pasado comenzó el ciclo CINE MUNDIAL en TvPerú. Una iniciativa que para los cinéfilos es una gran noticia. La posibilidad de ver películas que por lo general son muy raras de encontrar, o de programar, incluso en la televisión por cable, y que muchos no consiguen en dvd. ¿Y quienes gustarán más de este ciclo? Bueno supongo que más lo harán los que vieron, y añoran, el cine de ayer, pero también será una buena oportunidad para que los más jóvenes tengan la posibilidad de ver obras maestras. Queda esperar que este ciclo dure bastante y que siga mostrando películas de calidad como lo fue la primera:
El ciclo se inició con Ladrón de bicicletas, gran obra dirigida por Vittorio De Sica, con guión de Césare Zavattini, y pieza fundamental del neorrealismo italiano. La película sigue la fatalidad de un hombre para conseguir y mantener su trabajo en la posguerra de la década del cuarenta.
Desde el inicio, De Sica nos muestra la realidad en la que se vivía: un montón de desempleados pugnando por conseguir un sustento para sus familias, un montón de personas que tratan de empeñar lo que tiene para comprar un poco de lo que necesitan, un montón de personas tratando de llegar al transporte público, y luego, un montón de circunstancias de indiferencia. Se es uno más del montón.
Antonio Ricci consigue un trabajo para pegar carteles, pero en su primer día de trabajo le roban el medio que ha conseguido a costa de empeñar sus sábanas: la bicicleta. Aunque el título ya lo anuncia y desde que consigue la bicicleta parece que en cualquier momento la va a perder. Por ello no la deja de cargar aun dentro de la oficina de su trabajo, y todos creemos que se la van a robar cuando la deja en la puerta del edificio de la vaticinadora que su esposa va a visitar.
Pero no. La desgracia le llega en pleno trabajo, y después lo único que le sigue es la adversidad, o la pasividad que cada uno muestra hacia la desgracia del otro. Sólo lo ayuda su amigo, pero ni eso le alcanza para recuperar lo robado. En la comisaría, el policía ironiza sobre la importancia de una bicicleta robada. Pero ¿acaso no dejarán de comer cuatro personas sin esa bicicleta? No importa, porque simplemente son demasiados los que pasaban la misma situación, y no se podía satisfacer a todos. Ni a uno.
Al día siguiente busca la bicicleta con su amigo y su hijo, Bruno, con quienes se reparten por los mercados en busca de la bicicleta robada, por partes. Saben el número de la placa y saben que es sólo cuestión de tiempo encontrarla. Pero nadie da con la bicicleta. Entonces se queda otra vez sólo con su hijo cuando ve a uno de los ladrones hablando con un viejo, a quien sigue para encontrar al ladrón, y a su bicicleta. El anciano entra en una iglesia, donde una señora muy bien vestida, prácticamente la dueña de todo lo que acontece ahí, y de las personas que llegan, cuida de que no se haga ningún ruido. No entiende, tampoco, lo trascendental que es para Antonio y para Bruno encontrar la bicicleta.
Antonio y Bruno primero recorren la ciudad, y luego ya sólo la deambulan. La cara del padre es, por momentos, tan infantil como la de su hijo, quiere llorar de impotencia, de pena, de rabia, pero se aguanta. Al final Antonio ya está desesperado, sólo quiere trabajar pero no puede sin una bicicleta. Bicicletas que ve por montón en la salida de un estadio, y en una calle solitaria, otra más.
Se debate, entonces, internamente por robar o no una bicicleta, ¿que le da a su hijo: el ejemplo o el sustento para comer mañana? No hay opción, y aunque su rostro se comprime, tiene que hacerlo. Sin embargo, es atrapado en su fallido robo e irá a la cárcel. Resignado, baja la cabeza ante los insultos, pero de entre sus captores se le acerca Bruno, lleno de tristeza, y de lágrimas. Su padre no es culpable más que de no tener ayuda. Él es la víctima. El dueño de la bicicleta lo presiente y lo deja ir. Ahora padre e hijo caminan por las calles, solos, sin la bicicleta. No hablan. Es el final de esa historia.
“¿Ya puedes ver?” es quizá la frase más triste que Charlot haya dirigido a una de las tantas mujeres que compartieron con él la pantalla. Él siempre se enamoraba, y vivía el amor de verdad, queriendo lo mejor para su compañera, aunque esto signifique que ella se fuera a vivir un futuro mejor, quizá con otro. Luego Charlot se quedaba solo, pero tal vez sintiéndose bien por saber que esa otra persona, a quien amaba, sería feliz.
Pero esa es la frase más triste porque va acompañada de una mirada de misericordia, de la otrora vendedora de flores ciega, a la que Charlot ayudó a recobrar la vista. Sólo que ella no sabe cuál es la identidad de su angélico salvador, hasta que se encuentra con el vagabundo Y además se acompaña con el rostro más pueril de Charlot, como un infante que espera de su madre un dulce o quizá un mimo. Charlot prácticamente se desmorona de felicidad al encontrarse nuevamente ante aquella florista y no sabe qué hacer. La posibilidad del final abierto nos deja como tarea imaginar qué es lo que ocurre luego. A todos nos gustaría que ella se quede con Charlot, pero sabemos que lo más probable es que no.
